Nesta semana, aconteceu no IE Ateliê uma oficina especial de aquarela, explorando o uso de pincéis esponja — daqueles bem simples e acessíveis. Meu objetivo com essa experiência foi mostrar que a aquarela não depende apenas de materiais caros e sofisticados. É claro que bons materiais ajudam, mas sem técnica, nenhum pincel faz o trabalho sozinho, não é mesmo?
Para reforçar essa ideia, utilizamos papéis de técnica mista, igualmente acessíveis, e os alunos aprenderam a criar linhas finas e precisas, mesmo com pincéis mais simples. Além disso, trabalhamos as diferenças entre pintar no papel seco e no papel molhado, explorando os diferentes efeitos que cada abordagem proporciona e ajustando a densidade da tinta para obter melhores resultados.
Depois de alguns exercícios, aplicamos o aprendizado em duas pequenas paisagens imaginárias, sempre utilizando apenas o pincel esponja e um pincel redondo fino. Os resultados foram incríveis! Foi gratificante ver como esses experimentos despertaram nos participantes ainda mais o interesse pela aquarela.
E para quem quer continuar aprendendo, tenho uma ótima notícia: a parceria com o IE Ateliê traz também o início de uma nova turma de Aquarela para Iniciantes e Intermediários!
Este será um curso contínuo, onde os alunos aprenderão os fundamentos da técnica e conhecerão melhor os materiais. A partir daí, cada um poderá desenvolver seu próprio projeto, explorando referências, estilos e temas de interesse. Meu papel será orientar com dicas, sugestões, aprimoramento técnico e até referências artísticas para que cada aluno alcance seus objetivos na pintura.
Aulas às segundas-feiras, pela manhã ou à tarde
Local: IE Ateliê – Travessa Dona Paula, Higienópolis (uma vilinha charmosa ao lado do Cemitério da Consolação)
Previsão de início: Março/2025
Se você se interessou, entre em contato pelos canais indicados e garanta sua vaga!

Essa semana fizemos uma aula diferente. Levei os alunos da Casa Locomotiva ao Parque da Água Branca para colocarmos em prática as regras de composição que vimos em aulas anteriores.
Copiar de uma referência fotográfica limita muito nossa possibilidade de escolha da composição, pois alguém (o fotógrafo) já fez isso quando escolheu o ângulo da fotografia.
Quando temos um parque inteiro de possibilidades, com uma extensa vista de 360°, as possibilidades aumentam muito e os desafios também. Onde, na página, colocar os elementos da cena? Que tamanho dar a eles? E os elementos secundários que podem servir de âncoras e fazer o olho do observador passear pela cena? Como explorá-los?
Esse foi o exercício que propus aos alunos.
Criar tantos estudos quanto pudessem, imaginando a folha (vertical ou horizontal) e a melhor distribuição dos elementos e dos valores tonais.
Fiquei muito feliz com os resultados.
Foi uma aula divertida, aproveitamos uma linda manhã de sábado no parque e ainda saímos com um bom treino de composição para os próximos trabalhos.
Me conta aqui embaixo se vc também tem dificuldades para escolher o que desenhar e se tem alguma preferência de composição.

Depois de uns dias de descanso, estou de volta com novidades!

Reativei o canal de YouTube e agora vou postar, a cada 10 dias, uma demo de 7 minutos de aquarela.

O primeiro vídeo já está no ar!!

Acesse o canal para assistir e inscreva-se para não perder todos os outros que estão por vir.

Bora trabalhar muito e fazer de 2025 um ano cheio de arte, cores, aprendizados e projetos realizados!!

A aquarela é uma tinta transparente. Então, para pintar algo claro que está à frente de um fundo escuro é preciso preservar esse elemento e pintar ao redor dele (espaço negativo) para que se destaque do fundo.
É um pensamento inverso ao das outras técnicas de tintas opacas, onde você pode ir acrescentado camadas claras sobre as escuras.
Se você nunca experimentou essa técnica, sugiro começar com um exercício simples:
1. Desenhe alguns retângulos sobrepostos em um papel de aquarela.
2. Com uma tinta bem diluída e transparente, pinte toda a folha, exceto o retângulo mais à frente.
3. Espere secar e aplique uma nova camada da mesma tinta diluída, mas desta vez preserve dois retângulos.
4. Repita o processo, sempre reservando o próximo retângulo em cada nova camada.
Esse é um ótimo exercício para praticar tanto a pintura negativa quanto o controle de valores tonais.
A mesma técnica é usada na pintura das árvores e das folhas da imagem da chamada deste post.

Quer ver o passo a passo?

Confira o vídeo completo no meu canal do YouTube!

Espero você lá!

Muitos alunos me perguntam: “Que cor você usa para pintar sombras?”
A resposta não é simples, porque a sombra não é um elemento fixo com uma cor específica. Ela é, na verdade, uma área mais fria que se sobrepõe a algo existente — seja um objeto, o chão, folhagens, arquitetura ou o corpo humano.
Ao pintar sombras, é importante lembrar que elas devem ser transparentes, permitindo que o elemento por baixo ainda seja visível. Portanto, a sombra precisa preservar parte da tonalidade do objeto. Além disso, sombras não são uniformes ou chapadas; elas variam conforme a luz, a forma do elemento e as superfícies ao redor. Mesmo nas áreas completamente sombreadas, há nuances: pontos que refletem luz de outras superfícies, áreas mais próximas da luz, e sombras internas mais profundas.
Por isso nunca uso o cinza para pintar a sombra. Bacana mesmo é uma sombra colorida, cheia de nuances.
Gosto muito dos trabalhos de dois aquarelistas, mestres nas sombras:
John Singer Sargent (clássico) e Thomas Wells Schaller (contemporâneo)
Seguem exemplos dos seus trabalhos:
Quanto a mim, gosto de ter à mão uma mistura com um tom violáceo (azul ultramar, alizarin e um tiquinho de burnt siena) para uma sombra básica. Depois, adiciono nuances como ocre para áreas mais claras e lavanda para toques azulados. Sempre transparentes, deixando visível o que está por baixo dela.
E você? Já conhecia esses artistas? Como costuma fazer suas sombras?

Thumbnail (literalmente “unha do dedão”, em inglês) é uma expressão comumente utilizada por artistas para se referir a um estudo em tamanho bem pequeno (daí o nome), onde pensamos na composição, disposição dos elementos e, eventualmente, estudamos cores e valores tonais.
Costumo começar o estudo com pequenas formas geométricas que se assemelhem aos elementos que vou desenhar. Distribuo essas formas na folha, pensando nos espaços negativos e nas áreas de respiro. Em seguida, acrescento alguns detalhes ao esboço e defino a direção da luz, as sombras, e onde estarão os elementos mais claros e escuros do desenho.
Só então transfiro para a folha de aquarela ou caderno de desenho, para iniciar o trabalho final. Com o estudo feito, já sei que todos os elementos vão caber na folha e de onde virá a luz, o que facilita o processo e garante um bom resultado.
Aqui estão as etapas de construção de uma aquarela, desde a referência até o resultado final.
E você, faz estudos prévios antes de começar um trabalho? Comente aqui e compartilhe suas técnicas de preparação!

Ainda sobre o Simpósio Internacional de Urban Sketchers de Buenos Aires, queria contar um pouco para vocês sobre a oficina que fiz com a artista Elena Klimova, que explorou o uso de grafite para criar sombras urbanas.
Elena nos ensinou a começar um trabalho sem linhas e sem contornos e ir construindo as massas de cores e luzes com grafite, esfuminho e borracha limpa tipo.
A técnica consiste em iniciar pelas áreas de meio tom preservando a luz, esfumar e seguir adicionando gradativamente intensidade às sombras, moldando os elementos da cena, sem propriamente desenhá-los, mas revelando a impressão de luz e sombra que eles nos causam.
Seguem alguns exercícios que fiz durante o simpósio e dois que fiz no último encontro do Urban Sketcher em São Paulo, na Catedral da Sé.
Dicas: leve lenços umedecidos para limpar as mãos, pois o grafite faz sujeira, e use um spray fixador (até spray de cabelo funciona!) para preservar o desenho.
E aí, gostou da técnica? Já experimentou? Comente aqui embaixo!

Entre os dias 09 e 11 de outubro, aconteceu o Simpósio Internacional dos Urban Sketchers em Buenos Aires. Éramos cerca de 400 participantes, vindos de todas as partes do mundo, com o objetivo de desenhar a cidade, compartilhar nossas criações, trocar técnicas, conhecer novos materiais, fazer amigos e aproveitar tudo o que a arte pode nos oferecer.
O evento contou com o apoio de vários patrocinadores, e ganhamos brindes incríveis (vou falar de cada um aos poucos por aqui!). Além disso, houve workshops, demonstrações e diversas atividades, conforme as escolhas feitas na inscrição. Todas as opções foram muito bem avaliadas e bastante apreciadas pelos participantes.
Nosso ponto de encontro foi na UCA, em Puerto Madero, e de lá partíamos todos os dias para nossas sessões de desenho ou workshops. Para esse evento, preparei um caderno especial de papel Arches 300g, no formato concertina, para que, no final, ele contasse uma história contínua sobre minha experiência em Buenos Aires.
Confira algumas fotos abaixo. O livro completo você pode ver na minha conta do Instagram, onde também compartilho mais detalhes sobre o evento.
Já participa do Urban Sketchers? É uma experiência incrível! Procure o grupo mais próximo de você e venha fazer parte dessa comunidade internacional com a gente!

Nos próximos dias, de 09 a 12 de outubro, acontecerá o Simpósio Internacional de Urban Sketchers em Buenos Aires. E eu vou estar lá!
Aí surge aquela dúvida clássica: quais materiais levar? Afinal, é um simpósio internacional, estarão presentes grandes artistas e a gente quer fazer bonito, né?
Mas qual a diferença entre um desenho de scketch e a pintura em plein air? Para mim, plein air é uma saída dedicada exclusivamente ao desenho e à pintura. Levamos cavalete, apetrechos vários, sentamos, observamos e pintamos por algumas horas. Depois, recolhemos tudo e voltamos pra casa.
Já o sketch tem um caráter mais dinâmico e espontâneo. É um registro de viagem, uma lembrança do momento. Não à toa geralmente usamos cadernos, para que os registros fiquem todos juntos, na ordem dos acontecimentos. Estamos numa viagem, a gente não vai só para desenhar, a gente quer curtir a cidade, passear, conhecer… Não dá pra gastar todo o tempo nos sketches…
Meu conselho, depois de anos de prática: seja econômico no material.
Não adianta levar um caderno gigante, uma paleta com 30 cores, um estojo com dezenas de pincéis, mais lápis de cor, marcadores, canetas variadas, um cavalete e por aí afora… Vai ficar muito pesado pra carregar, e acredite, você não vai usar nem metade dessas coisas.
Surpreendentemente, a gente consegue criar coisas mais bacanas quando temos materiais limitados, pois precisamos ser mais concisos e criativos. Lembra do post da caneta azul de alguns dias atrás?
Para viagens, gosto de pensar leve: um caderno médio (A5 ou A6, que pode ser usado em folha dupla), um lápis de esboço, uma paleta compacta de cores básicas, um pincel com reservatório de água (waterbrush) e uma caneta à prova d’água.
Em saídas exclusivas para desenhar, como os encontros de urban sketchers, me permito levar algo um pouco mais completo: uma paleta maior, alguns pincéis extras, um pequeno pote de água, além de alguns lápis e canetas. Mas sempre me atento ao peso e ao volume, para que seja fácil de carregar depois. Ah, e nesse caso eu não dispenso um banquinho ou uma cadeira pra colocar numa área de sombra e desenhar tranquila.
O que vou levar nessa viagem:

Se você é como eu, não resiste a um novo material de arte. Tenho mais de 50 cores de aquarela de diversas marcas, e, sempre que visito uma loja de materiais, encontro aquela cor que ainda não tinha (e claro, agora não posso mais viver sem ela… kkk).
No entanto, é consenso entre os artistas que uma boa pintura não precisa de muitas cores, geralmente 5 ou 6 são suficientes, junto com suas combinações. Isso evita o excesso de informação e permite que as áreas da pintura se conectem melhor, criando harmonia na cena retratada.
Então, por que tantas cores? Para que eu possa ter a liberdade de escolher as 5 mais adequadas para cada trabalho. Algumas cenas são mais noturnas e nostálgicas, outras vibrantes e alegres, e, para cada caso, seleciono as cores que melhor se adequam ao tema.
Como gosto de desenhar em viagens e encontros ao ar livre, acabei criando paletas específicas para cada situação. Tenho uma paleta básica, maior, que uso em casa e nas aulas, e outras menores que levo comigo em passeios. Cada uma tem suas particularidades: algumas com tintas que granulam, outras com preferências por azuis e verdes, ou focadas nas cores primárias.
Para não me perder com tantas opções, especialmente porque as cores escuras são difíceis de diferenciar quando secas, faço pequenos charts com as cores de cada paleta e os levo comigo. Assim, até decorar a posição de cada uma, sei exatamente o que tenho à disposição.
E você, também tem mais de uma paleta de aquarela? Como organiza suas cores? Comenta aqui embaixo! Vou adorar conhecer novas formas de organização.